Fernand Léger (French, 1881–1955), Study for “The Staircase”, 1913. Gouache and
ink on paper, 48.2 x 63.5 cm. Private Collection. Photograph © Dorothy Zeidman.

 
 
Les Loisirs. Hommage à Louis David
huile sur toile de Fernand Léger - 1948-1949
Paris, musée national d’Art moderne - Centre Georges Pompidou
© ADAGP Paris 2004

 
 
Pas de légende...

 
 
Fernand Léger, les dernières années, 1950-1955
Les Constructeurs, définitif - 1950
Fernand Léger (1881-1955)
Huile sur toile
H. 300 ; L. 228 cm
Donation Nadia Léger et Georges Bauquier, 1969
© Musée national Fernand Léger, Biot - RMN

Georges BRAQUE : Le Viaduc à l’Estaque, juin-juillet 1908

 
 
Georges BRAQUE : Violon et Cruche 1909/1910, Musée de Bâle:

 
 
Georges Braque (1882 - 1963) - Paysage - 1908 - (0,81 m x 0,65 m)
Bale, Musée des Beaux-Arts

pourquoi est-ce que tu dis : "c'est des images, rien de plus" ?

Pourquoi est ce que tu poses la question "pourquoi est-ce que tu dis : "c'est des images, rien de plus" ?" ?

pourquoi vous vous arrêteriez pas de faire chier?

pourquoi est ce tu dis "pourquoi vous vous arrêteriez pas de faire chier?" ?

parce que je crois qu'il y a autre chose.

oui j'avais bien compris c'est pour ça que j'avais noté "Pourquoi est ce que tu poses la question "pourquoi est-ce que tu dis : "c'est des images, rien de plus" ?" ? "

pourquoi tu mets 2 L a alien?

Pour faire chier
 
http://blog.couleurs-eternite.com/ [...] koupetzian

Vexant... j'ouvre les mains, et même un peu plus...
 
Oui, y'en avait qu'un seul, y'en avait tellement qu'un
seul, que maintenant y'en a plus dutout.
 
Y'avait vraiment que ça à voir ?
 
Faut rien montrer, rien, et même ça c'est encore de trop.

j'en avais mis qu'un
Je trouvais que ça faisait faute
J'ai changé
Y'en a qu'un?

yen a qu'un.
 
finntroller, pourquoi tu mets 2 T a jeter?

 
 
T'avais déjà tout dit, j'aurai du rien mettre de plus

C'etait pas le but.
 

 
SRP barre-toi avec tes particularismes régionaux et tes peintres à la con et à la cote!

Y a pas de quoi s'enerver comme ça HB.
Prends tu Tranxen.
 
c'est une fausse cote, comme bon nombre qui sont vendu en france...
 
 

pourquoi pourquoi ?

 
bon, okay, merci en passant pour l'image sur le sujet Sandback.
 
Tranxène

Lexomyl
Valium
Xanax (mon premier palindrome quotidien)
...
...

Je maitrise pas trop ça !
C'est ma mere qui était consomarice.
 
Pour revenir à Sandback, merci pour les infos, j'attend la suite.
 
 
 

Vincent Van Gogh, sa vie (une toute petite partie), son oeuvre (une toute petite partie aussi...)
 
 
Van Gogh, né le 30 mars 1853 à Groot-Zundert, dans le Brabant septentrional, était le fils
d'un pasteur protestant. Dès l'enfance, il fit preuve d'un tempérament lunatique et agité
qui devait, tout au long de sa vie, contrarier ses projets. À partir de 1869, il devint
commis dans une galerie d'art mais, passionné par la lecture de la Bible, il négligea son
travail et dut finalement l'abandonner en 1876. Après avoir été prédicateur dans un faubourg
ouvrier de Londres, il entreprit des études de théologie à Amsterdam, mais consacrait
néanmoins beaucoup de temps à dessiner. En 1878, il s'installa dans la région minière du
Borinage où il décida d'évangéliser les pauvres dont il partageait les conditions de vie
extrêmement précaires. C'est là, au début des années 1880, que Van Gogh peignit ses
premières toiles. Elles représentent des natures mortes ou, comme les célèbres Mangeurs de
pommes de terre (1885, Rijksmuseum Vincent Van Gogh, Amsterdam), les paysans et les gens
simples qu'il rencontrait. Sombres et presque monochromes, ces oeuvres expriment avec
rudesse la pauvreté et la misère de ces mineurs auxquels Van Gogh s'attacha avec une ferveur
et une exaltation exacerbées. En 1886, Van Gogh s'installa à Paris et vécut avec son frère
Théo qui dirigeait une petite galerie de tableaux. Il fit rapidement connaissance des jeunes
peintres qui animaient les mouvements artistiques les plus innovants. Influencé par l'oeuvre
des impressionnistes et par celui d'artistes japonais tels Hiroshige et Hokusai, le style de
Van Gogh évolua sensiblement à cette époque. Les couleurs s'éclaircirent, les touches de
pinceau, qui furent apposées suivant une technique plus étudiée, suivaient souvent la forme
de l'objet représenté. Dès 1888, il adopta des teintes franches et brillantes, présentes dans
les tableaux de ses amis français.
 
En février 1888, Van Gogh quitta Paris pour le Sud de la France où, sous le soleil de
Provence, il peignit des paysages et des scènes de genre de la vie méridionale. L'artiste,
installé à Arles, commença à employer des touches courbes, tourbillonnantes et des couleurs
pures : le jaune, le vert et le bleu en particulier. Cette technique, si spécifique à
l'oeuvre de Van Gogh, apparaît dans les célèbres toiles représentant sa Chambre à coucher
(1888, Rijksmuseum Vincent Van Gogh, Amsterdam), et la Nuit étoilée (1889, musée d'Art
moderne, New York). Tout phénomène visible, peint ou dessiné par Van Gogh, semble être doté
d'une vitalité physique et spirituelle. Dans son enthousiasme, il persuada Paul Gauguin,
qu'il avait rencontré à Paris, de le rejoindre. Après moins de deux mois de travail commun,
leur relation se détériora gravement et s'acheva par une dispute célèbre au cours de laquelle
Van Gogh menaça Gauguin avec un rasoir. La même nuit, Van Gogh se trancha une oreille.
Quelques mois plus tard, il entra de plein gré à l'asile de Saint-Rémy-de-Provence où il
peignit avec acharnement. De cette période date un grand nombre de chefs-d'oeuvre, dont les
Blés jaunes (1889, National Gallery, Londres).
 
En mai 1890, l'artiste quitta le Midi et rejoignit son frère Théo à Paris. Il s'installa non
loin de là, à Auvers-sur-Oise, près de la maison du docteur Gachet qui admirait et soutenait
déjà plusieurs peintres impressionnistes, et dont Van Gogh fit le portrait. L'artiste
travaillait avec ardeur. Pourtant, le 27 juillet 1890, il se tira un coup de revolver et
décéda deux jours plus tard.
 
Les sept cents lettres que Van Gogh écrivit à son frère Théo (publiées en 1911, traduites en
français en 1960) constituent un témoignage unique de la vie d'un artiste, et une précieuse
documentation concernant une oeuvre particulièrement fertile : environ sept cent cinquante
tableaux et mille six cents dessins. Le peintre français Chaïm Soutine, ainsi que les
peintres allemands Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner et Emil Nolde, doivent plus à Van
Gogh qu'à aucune autre source d'inspiration. En 1973, le Rijksmuseum Vincent Van Gogh,
conservant plus de mille tableaux, esquisses et lettres, a été ouvert à Amsterdam.
 
 
La plage de Scheveningue

 
Quatre tournesols coupés

 
Terrasse du café le soir, place du forum, Arles

 
Le café de nuit, place Lamartine, Arles

 
Le vieux moulin

 
Les rochers avec chêne

 
La chambre de Van Gogh à Arles

 
Nuit étoilée sur le Rhône

 
Nuit étoilée (cyprès et village)

 
L'eglise d'Auvers-sur-Oise

 
L'escalier d'Auvers-sur-Oise, la maison du dr. Gachet

 
Rue d'Auvers-sur Oise

Finn'
 
primo : je te souhaite, dans les meilleurs délais,de prendre le Thalys direction Amsterdam.
de la gare, tu te rends sur Museumsplein la bien nommée, et entre le Rijkmuseum et le Staedelijk museum tu devrais trouver quelque chose dont j'ai du mal à parler comme ça parce que j'y ai à chaque fois été très ému.
 
ensuite, tu vas t'acheter un gros spliff sur Achterburwald, et tu retournes à la gare.
 
à la gare, tu te débrouilles avec ta récente acquisition de cette langue tellement bizarre qu'es le Hollandais pour obtenir un billet aller (et retour!!!) pour Otterlo. Comme la Hollande c'est aussi grand que le parc Astérix, t'inquiète pas, mais consacres-y la journée.
à Otterlo tu suis les panneaux Kroller-Muller, quand tu vois un vélo tu t'en empares en ayant l'impression jouissive de l'avoir volé mais en fait il n'en est rien.
T'essaie de pas tomber de vélo en faisant le tour du parc de sculptures (toujours le spliff aux lèvres) et puis finalement, tu décides de t'égarer dans les galeries du musée.
 
à ce point du séjour, tu devrais avoir emmagasiné suffisament de THC, de tableaux, dessins et sculptures, pour pénétrer dans le sanctuaire absolu de l'art moderne, et fais moi confiance, Van Gogh y tient une très belle place.
 
ça, c'est pour le week end prochain.
 
dans l'intervalle : muni d'un fusil tu te rends à la librairie la plus proche et tu sommes (avant de tirer) le libraire de te remettre SUR LE CHAMP un exemplaire de Van Gogh ou l'enterrement dans les blés par Vivianne Forrester.
tu ne quittes la librairie qu'après avoir entièrement lu l'ouvrage (publié chez Seuil Points).
il est possible que tu ressorte de cette lecture un peu bouleversé, c'est pour cela que je t'enjoins à mettre le cran de sùreté au fusil pendant la lecture.
 
au reste,
 
deux choses me frappent (encore) :
Van gogh peignait et dessinait en même temps, avec les mêmes outils : il peignait en dessinant et dessinait en peignant, les deux sont indissociables dans les tableaux.
 
ensuite : des milliers de dessins, autant de lettres et des centaines de tableaux égalent la possibilité de retracer sa vie au quart d'heure près, c'est ce à quoi travaille le Van Gogh Museum (voir le catalogue Van Gogh et Gaugin à Arles publié par ce même musée.
 
les tableaux les plus célèbres existent souvent en plusieurs expemplaires (sinon versions) : un grand, un moyen, et un petit.
et souvent, ils sont dispersés dans l'ordre suivant : les grands à Philadelphie, les Moyens à Amsterdam et les petits à Paris. C'est notamment le cas de la chambre à Arles.
 
Merci pour ta notice, je crois que maintenent on attend tous tes notes de voyage...

Ben oui, mais.........
 
La seule note de voyage qui me vient à l'esprit dans l'instant, c'est que
 
y'a tellement de choses à écouter, à voir, à comprendre, qu'une seule misérable
petite vie n'y suffirait pas.
 
Désolant  

parmi toutes ces possibilités y'a un top ten.

 
Fiin' c'est pas acceptable.
tu peux corriger ton message, l'effacer et reprendre avec quelque chose de plus personnel.

Je suis en train d'apprendre que j'ai pas intérêt à être trop personnel, sinon je prends
des coups de bâton.
 
Même virtuels, ça fait très mal quand-même.
 
Je vais essayer de rester dans les généralités personnelles, donc...
 
Vous voulez pas que je vous mette un panneau "Attention fragile", aussi ?

Escher, c'est un bon celui-la. Non, non, pas Stéphane Eischer.
Non, il fait pas de jeux vidéos non plus...
 
C'est Maurits Cornelis Escher (1898 - 1971)
 
 
Jour et nuit

 
 
En long, en large et en travers, partout on est en train de m'expliquer ce que je dois
en voir, ce que je dois en comprendre.
 
Ca m'énerve, c'est chiant, c'est extrèmement chiant...
 
Je m'en tape de vos explications, vous pouvez vous les carrer ou je pense, vos explications.
 
Je suis nul en maths, je veux simplement comprendre avec mes yeux, rien d'autre...
 
 
C'était juste un p'tit coup de gueule en référence aux nombreuses "explications" que l'on
trouve sur le net à propos de ça.
C'est peut-être un peu excessif, mais j'ai pas su l'exprimer autrement.

les yeux servent à voir, le cerveau aide à comprendre.
 
si c'est pour entretenir une image misérabiliste tu peux aller te faire masser le gras.
 
inutile de récupérer Van Gogh pour faire croire à la sincérité de ta propre bohème.
 
seul contre tous tu restes dans ton placard avec tes vieux disques et ta raison pour toi.
 
tu fais semblant de pas donner de leçons et tu déballes les mêmes qualificatifs que jean-luc delarue.
 
réveille-toi ou va mourir. et vite.

Maurits Cornelis Escher est né en 1898 et sa scolarité fut assez désastreuse en dehors des
cours de dessins qu'il dominait parfaitement. Malgré tout il ne fut pas reconnu dans la suite
de ses études et cela s'illustre par une appréciation d'un professeur : "...Il est trop
conservateur, trop littéraire et philosophe, trop peu un jeune homme d'humeurs et d'états
d'âme, il n'est pas assez un artiste."
 
Il excella dans la gravure sur bois, technique qu'il appliqua en Italie dans l'année 1922.
Le climat politique insupportable de 1935 le pousse à quitter l'Italie pour la Suisse. Il
n'y restera pas longtemps et partit en méditerranée, pour retrouver son Italie. Le voyage
sur le bateau fut payé par 48 épreuves d'estampes et il est bien étonnant que le capitaine
ait accepté un tel paiement car personne ne connaissait alors Escher.
 
En janvier 1941 il s'installe à Baarn, aux Pays-Bas et put faire de nombreux travaux.
Jusqu'en 1969 il continua son oeuvre puis qu'il créa Serpents qui est une magnifique
xylogravure.
 
En 1970 Escher s'installe à la Fondation Rosa Spier, à Laren, une maison pour les artistes
âgés où il mourut le 27 mars 1971.
 
Quelques oeuvres, parmi des tas d'autres...
 
Autre monde

 
Montant et descendant

 
Balcon

 
Belvédère

 
Convexe et concave

 
Mains dessinants

 
Rind

 
Chute d'eau

 
Relativité

ce ne sont pas des tournesols, mais ça y ressemble...

 
???????????????????????????????
 
Qu'est-ce qui justifie des écrits aussi.... acides ?
 
Je comprends pas bien ???
 
De quoi tu parle ?
 
Explique moi clairement ce que je n'aurai pas du écrire.
 
Les trucs que je mets, c'est que j'aime bien, point. Ca va plus plus loin que ça.

Pour ses admirateurs, Bernard BUFFET, est le génie à l'état pur. Il est reçu à 15 ans à l'école
nationale des Beaux-Arts, introduit auprès de collectionneurs par le peintre Aujame et est
récompensé à 20 ans le Prix de la Critique. Bernard BUFFET est un maître du misérabilisme qui a
sa place dans les plus grands musées, le JAPON lui en a même intégralement consacré un à
Surugadaira avec près de mille oeuvres.
 
Bernard BUFFET peut servir d'illustration du divorce entre les Français et l'art contemporain.
Artiste populaire par excellence, Bernard BUFFET est aimé du public, détesté par les élites qui
lui reprochent d'être trop prolixe : 8000 toiles, aquarelles, dessins, lithographies ou gravures.
Il rejoint en celà RENOIR et PICASSO, peintres eux aussi très féconds.
 
La personnalité de Bernard BUFFET va se révéler en 1947 avec ses premiers personnages anguleux
qui le classeront dans la mouvance expressionniste misérabiliste de Francis GRUBER et de Georges
ROUAULT. Premiers contacts avec Emmanuel DAVID en 1948, lequel fut véritablement à l'origine de
sa carrière internationale avec une première exposition à la Galerie DROUANT-DAVID en 1949.
 
Parce que la peinture était chère, il l'économisait et en mettait peu sur ses toiles. Donc peu
de matière et peu de couleurs, seulement des gris, noirs, bistres et verts. Ses oeuvres sont
fortes, poignantes, le dessin déterminé s'allonge comme une supplique. Le style de Bernard
BUFFET est identifiable entre tous par les réseaux de lignes droites et sèches dont il avait
fait son système pictural. Visages gris, fronts ridés, cheveux raides ou rares, mains crispées,
ses personnages semblent crucifiés. On aime cette personnalité nouvelle: le style Bernard BUFFET
s'impose.
 
Bernard BUFFET a également été qualifié de peintre figuratif opposé aux abstraits d'une part,
mais aussi, et surtout, aux peintres qui pratiquaient le réalisme socialiste.
 
Suivront des thèmes forts différents : La Passion du Christ (1952), Horreur de la Guerre (1954),
Jeanne d'Arc (1958), Portraits d'Annabel (1961), la Chapelle de Château l'Arc (1962), Les
écorchés (1965), La corrida (1967) ou encore, Les Folles (1971), L'enfer de DANTE (1977) et La
Révolution Française (1978) et Le Japon (1981) puis, Vingt mille lieues sous les mers (1990),
Souvenirs d'Italie (1991), New York (1991) , Les Clowns Musiciens (1992), Saint-Pétersbourg
(1992), L'Empire ou les plaisirs de la guerre (1993), Promenade Provencale (1993), Sept péchés
capitaux (1995) Pékin (1996), La maison (1998), Mes Singes (1999).
 
 
La peinture on n'en parle pas, on ne l'analyse pas, on la sent.
Bernard Buffet (1928 - 1999)
 
Clown fond bleu - 1955

 
La cafetière bleue - 1956 (HST 114 x 146 cm) - © ADAGP

 
Jeanne D'arc : Les Voix - 1957 (HST 210 x 400 cm) - © ADAGP

 
Le manoir aux ombelles - 1968 (HST 114 x 162 cm) - © ADAGP

 
Les Folles : La mariée - 1970 (HST 210 x 600 cm) - © ADAGP

 
Villereau - 1974 (HST 89 x 130 cm) - © ADAGP

 
Les Mesnuls, la route de Chevreuse - 1976 (HST 89 x 130 cm) - © ADAGP

 
L'enfer de Dante : Damnés pris dans les glaces - 1976 (HST 250 x 430 cm) - © ADAPG

 
Le grand jeu - 1977 (HST 130 x 162 cm) - © ADAGP

 
Autoportrait n° 4 - 1981 (HST 130 x 97 cm) - © ADAGP

 
Clown fond jaune - 1985 - © ADAGP"

 
Autoportrait dans la salle de bain - 1988 (HST 114 x 195 cm) - © ADAGP

 
Clown militaire - 1998 (HST 130 x 89 cm) - © ADAGP

 
Tempête en Bretagne - 1999 (HST 130 x 89 cm) - © ADAGP

 
Cette toile est l'une des toutes dernières peintes par Bernard Buffet, après la série
"La Mort"; elle porte le dernier numéro sur le registre de la Galerie Maurice Garnier.
 
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Peinture sur Pavé de Paris d'après Bernard Buffet, Clown bleu, 1955 , c'est à
partir de cette époque que la critique le déclarait incapable d'évoluer, malgré
cela il devint très riche ayant de nombreux collectionneurs au Japon et ailleurs,
il se suicida en 1999, année où fut peint ce pavé. Ceci est d'ailleurs vraiment
une icone très "populaire", est-ce aussi cette popularité qui interdit l'accès
au rang d'artitse institutionnel à notre Bernard national ?
 

Du moment que c'est pas des portraits ou des personnages, Buffet, ça me va

j'attends un sujet sur Jean Vérame... Trémois ... Carzou se battent devant la porte...

Jean Carzou (1907-2000)
 
Le peintre et décorateur Jean Carzou, décédé le 12 août 2000 à Périgueux (Dordogne) à l'âge de
93 ans, avait acquis une renommée internationale. La France, la Grande Bretagne, les Etats
Unis, l'Egypte, le Japon ont accueilli plusieurs de ses expositions d'encres, de crayons, de
gouaches ou de pastels étranges.
 
Après une longue carrière de peintre, graveur et décorateur de théâtre il s'était lancé, âgé
déjà de 83 ans, dans une gigantesque Apocalypse dont il avait paré les murs de l'église de la
Présentation à Manosque (Alpes-de-Haute-Provence). Non pas l'illustration littérale de
L'Apocalypse de Saint-Jean, mais "le climat de notre époque" peuplée d'horizons dévastés, de
navires embrumés, de rails enchevêtrés et de blockhaus traduisant sa hantise de la guerre et
de l'holocauste. Il y a notamment réalisé un superbe portrait de femme-arbre au visage de
madone, délivrant au monde un message d'éternelle humanité.
 
Né à Alep (Syrie) le 1er janvier 1907 dans une famille arménienne, Jean Carzou - de son vrai
nom Garnik Zouloumian - étudie d'abord chez les Pères maristes. En 1924, ses brillants
résultats scolaires au lycée français du Caire (Egypte) lui valent une bourse de la communauté
arménienne.
 
"Pour faire sérieux", il rejoint Paris pour des études d'architecture alors qu'il rêve des
Beaux-Arts et du Prix de Rome. A l'approche des années 30, il "fait des ronds, des carrés"
dans son atelier de la rue des Plantes à Montparnasse. Il vivote grâce à ses caricatures
d'hommes politiques publiées dans la presse et à ses dessins sur tissus. Il peint "loin des
écoles", faisant l'expérience nécessaire à l'aboutissement de ses personnages de "peintre-
artisan" comme il se nomme.
 
Un musée à son nom à Dinard
En 1938, il organise plus de cent expositions particulières de ses oeuvres à Paris, en province
et à l'étranger. Puis il participe à plusieurs expositions officielles organisées par la France
hors d'Europe, et reçoit le prestigieux Prix Hallmark en 1949.
 
Carzou ne se contente pas de peindre des toiles bleues et singulières. Il enchâsse ses tableaux
et ses aquarelles dans des médaillons de velours ou de papiers dentelés. A certains critiques
d'art qui le qualifient de "décorateur", il lance "vous aurez de la peinture mais aussi du
théâtre". En 1952, sa réalisation du décor et des costumes des "Indes Galantes" de Rameau à
l'Opéra de Paris le révèle au grand public. Il enchaîne avec Le Loup (1953) pour les Ballets de
Roland Petit. Giselle (1954) et Athalie (1955) ravissent les spectateurs de l'Opéra et de la
Comédie française.
 
En 1977, Carzou dessine lui-même son costume et son épée d'Académicien avant de faire son
entrée à l'Institut des Beaux-Arts. Pourfendeur du laxisme de la société moderne en général,
et du cubisme en particulier, il estime que Picasso est "une personnalité qui ne fait pas de
la peinture". Seuls Claude Lorrain, Watteau et Dali sont, selon lui, "de grands peintres".
 
Auteur d'une importante oeuvre lithographique ("Les Illuminations" de Rimbaud) et de
tapisseries, décorateur de Chapelle de l'église du couvent de Manosque devenue Fondation
Carzou en 1991, l'artiste a vu son oeuvre consacrée en 1995, à Dinard (Ille-et-Vilaine), avec
l'ouverture d'un musée à son nom.
 
Père de l'écrivain Jean-Marie Carzou, Jean Carzou était veuf de Nane depuis 1978. Il était
Officier de la Légion d'honneur, Commandeur de l'ordre national du Mérite et Commandeur de
l'ordre des Arts et Lettres (rien que ça!!! et puis quoi d'autre ???). Il aurrait rien perdu au
passage, des fois ?
 
La charrue, 1957

 
L'Arménie. Tremblement de terre. Espérance, 1989

 
Le musicien. Détail de l' " Apocalypse ". Eglise à Manosque, 1991

 
Il y en à d'autres, mais la plupart sont bloqués de toutes parts ???
Même les repros de Van Gogh ne sont pas bloquées, pourquoi les siennes elles le sont, bloquées ???
 
Fric, fric, encore fric et toujours fric, si t'allonge pas ton paquet d'euros, c'est:
circulez, y'a rien à voir !  Beurk, beurk et re beurk... (le système, pas les oeuvres).
C'est pas comme ça que le "petit peuple" il aura envie d'aller voir ses expositions...
Y'a de fortes chances d'ailleurs, que ce "petit peuple" , y sait même pas qu'il a existé
cet artiste...

De son vrai nom Karnik Zouloumian, Carzou est un peintre français d’origine arménienne né à
Alep (Syrie) le 1er janvier 1907. Ayant obtenu, après d’excellentes études en Egypte, une
bourse pour venir étudier en France, il arrive à Paris en 1924 et sera diplômé de l’Ecole
spéciale d’Architecture du boulevard Raspail. Mais il ne rêve que de peinture et, entre les
séances dans les académies, survit grâce à des dessins satiriques dans les journaux et
diverses créations artistiques (affiches, tissus). À la suite de différentes participations
aux Salons, il obtient, avec Bazaine, le prix Saint-François d’Assise en 1938 et fait l’année
suivante sa première exposition particulière. À quarante ans de là, en avril 1979, il sera
installé à l’Académie nationale des Beaux-Arts (Institut), à un siège où lui succédera Zao
Wou-ki. Entre ces deux dates se développe une carrière exceptionnelle, marquée par une
centaine d’expositions en France et à l’étranger ainsi que par sa participation à de
nombreuses manifestations officielles. Ses expositions les plus marquantes auront ainsi pour
thème Venise (1953), L ’Apocalypse (1957), Figures rituelles (1968) et jusqu’à Versailles
(1994). Officier de la Légion d’honneur, il a accumulé les récompenses : trois fois lauréat
du prix Hallmark, grand prix de l’Education nationale à Tokyo, grand Prix Europe de la première
Biennale de Bruges, prix du public aux Peintres Témoins de leur Temps. La conception de
plusieurs décors et costumes pour l’Opéra de Paris (Les Indes galantes en 1952, Giselle en
1954), Roland Petit (Le Loup en 1953), la Comédie-Française (Athalie en 1955) et le Théâtre
de Paris (La Périchole, 1969) ne fera qu’ajouter à sa célébrité. En 1955, un référendum
organisé par Connaissance des Arts l’avait d’ailleurs classé parmi les dix meilleurs peintres
d’après-guerre. Et, en 1976, il sera membre du jury du festival de Cannes. Auteur également
d’une vaste oeuvre graphique et de plusieurs tapisseries, il achève en 1991 plus de 600 m2
de peinture sur des thèmes repris de l ’Apocalypse de 1957 dans la chapelle de Manosque
(Alpes de haute Provence) qui deviendra le siège de la Fondation Carzou. Le centenaire de sa
naissance y sera célébré durant l’été 2007 dans le cadre d’ Arménie, mon amie.
Carzou est mort à Périgueux, près de son fils, en août 2000.
 
Avec tous ses ronds de jambes et tous ses honneurs, c'est pas possible qu'il ait pas oublié
quelque chose en chemin. Ce ne serait pas le seul, loin de là...
Ceci dit, je ne connais pas le personnage, je peux me tromper...
 
Enfin bref, j'aime bien, je vais en remettre quelques un, pour le plaisir...
 
Le chemin - 1977

 
Le compotier II - 1983

 
La fontaine Médicis - 1986

 
Le Pont-Neuf - 1986

 
Le palais des mirages - 1990

 
Le palais princier II - 1992

hello les artistes!
 
finntroller pourquoi ce titre "c'est des images rien de plus"?
que pense-tu de celle-ci, image animée?
 

 
moins classique, non?
 
 

 
Puisque tu me le demande...
Cette image animée, c'est une animation (si j'ose dire !), j'en pense vraiment rien,
ça m'évoque pas grand-chose de plus que "féminin". Même si ça bouge, ça vit pas,
c'est pas vivant.
 
C'est tout ce que j'en pense.

J'ai !!!